爱乐之城：音乐画出来是什么样？

音乐和绘画在通感层面上是相似的。人类用音乐唱歌，用绘画描绘现实和虚幻，用绘画记录音乐，勾勒出空灵的唱歌和弹奏。圣贤们用弦来激起他们的心情，用画笔来描述这座由音符组成的城市。刷子被扫过并收起来，油漆又湿又干，让岁月入侵，在清晰或秘密的绘画环境中，爱乐之城屹立不倒。绘画史上流淌的旋律就像时代的脚步声，回荡在画中的爱乐之城。

然而，从西方哲学体系到文艺复兴时期和过去，编织在画布中的音乐只是庄严而具有象征意义的存在，凝固在西方宗教艺术中充满精神隐喻的创式中，而不是以自由的形式出现。
〔英〕弗雷德里克·莱顿音乐课93cm×118cm1877英国国家美术馆

尼采在《悲剧的诞生》中进行了“所有价值的重估”将美与崇高锁定为两种二元对立的哲学精神，即美与崇高“日神精神”和“酒神精神”，其中“日神精神”它反映了一种高度理性和有序的美。在古希腊神话中，日神阿波罗不仅是凶猛的太阳王，也是凶猛的太阳王。“所有造型艺术之神”，负责医学、预言和音乐。也许，音乐是西方图式的原始母本中具有疗愈属性的预言。这个预言是阿波罗宣布的，所以它天生就有日神判断下的理性光辉。
如果说疯狂的酒神狄俄尼索斯是感性冲动的化身，那么戴着月桂冠冕、端庄严肃的日神阿波罗，经常伴随着七弦琴，就是理性端庄之美的再现。当时人们似乎很确定，阿波罗钢琴声笼罩的土地最终会消灾弥难，他们握着弓箭手指弹出的神圣音乐将是洗涤心灵的药剂。

〔德〕汉斯·阿波罗和缪斯42cm×38cm素描1533德国柏林国家美术馆
希腊神话作为西方原始氏族社会的精神产物，是欧洲最早的文学形式。无论是阿波罗与七弦琴作战，还是牧神潘志排长笛助眠，这种神话叙事长期以来都成为西方绘画教育公众的武器。可以说，在西方绘画中，爱乐之城的砖瓦早在宗教祭坛出现裂痕之前就悄然建成了。音乐元素就像是软化宗教绘画理性和寒冷氛围的过滤器。
〔比〕雅各布·冯·舒邦吉他演奏者(局部)油画英国利物浦沃克美术馆收藏
尼德兰文艺复兴时期艺术的创始人凡·艾克兄弟曾经画过著名的《根特祭坛画》，这是世界上第一幅真正意义上的油画作品。由内而外，共有20幅画面构成了整个折叠画障，在油画发展史上具有里程碑意义。在这组画中的一幅画中，管风琴比主角更显眼。18世纪以前，欧洲音乐主要以教会音乐为主，形式从清唱发展为管弦乐伴奏下的独唱和重唱。管风琴是一种历史悠久的大型气鸣键盘乐器，音量宏大，音色优美庄重，能演奏丰富的和声。因此，它在当时的欧洲非常流行，成为西方宗教仪式和教堂建筑空间的重要组成部分。
〔荷〕凡·1432比利时圣巴夫教堂藏画
除凡·除了艾克兄弟，当时画乐器表演场景的画家还有拉斐尔、卡拉瓦乔等。在他们的画中，乐师们庄严肃穆，每一个跳跃的音符都在诠释着爱乐之城奠基之初的规矩和方圆。除了早期为宗教服务的画家，后期的一些作家和音乐家也热衷于从庄严的层面解读音乐。不仅仅是维克多·雨果认为音乐是理性的，思维的声音，柴可夫斯基也认为只有音乐才能解释安静和安静，音乐最真实的意义从来不是简单的消遣。
〔荷〕杰拉德·凡·洪特霍斯特戴维王演奏竖琴811cm×65cm油画1622
然而，音乐是在时间上扩展的艺术，画中的音乐也是如此。德国诗人海因里希希希·海涅曾说：“音乐是一种需要时间来衡量的精神元素。”巴洛克时期，欧洲社会出现了多元化的文化倾向，艺术和音乐领域也出现了风格的转变。随着音乐词汇的扩大，世俗音乐成长起来，朝着浪漫主义的方向发展。在此期间，音乐体裁更加丰富，乐器种类也在增加。楔形键琴、羽管键琴、竖笛等乐器都闪现在当时的绘画中。
当然，更重要的是世界思想的转变。在与宗教温和分离后，人们开始希望音乐能向世界传播快乐。正如舒伯特所认为的，尽管他的音乐作品是从他对痛苦的理解中产生的，但“那些从痛苦中产生的作品会给世界带来欢乐”。在当时的西方画坛，音乐家音乐家还是乐器，他们都开始以更悠闲的姿态画画。画中的爱乐之城变得欢快起来。
〔荷〕弗兰斯·哈尔斯弹鲁特琴的小丑70.5cm×61.9cm1625-1626法国卢浮宫藏藏藏
如果你想谈论画布上世俗音乐的繁荣，你应该回到西方艺术史上的经典“荷兰的黄金时代”，去当时富裕一方的阿姆斯特丹港。17世纪，荷兰画家开始抛弃宗教和神话题材。当时的绘画创作不再是贵族生活的附庸，而是摆脱了“偶像包袱”，开始潜入自由、舒适的市场之间。随着现实主义范畴下的肖像画，风俗画纷纷出现。“飞进普通人家”平民们开始成为绘画中的主角。因此，这一时期绘画中倾泻而出的音符可以说是真实的音符，而不是某种教育人心的宗教符号。
〔荷〕赫里特·凡·洪特霍斯特音乐会油画1630
社会地位显著提高的荷兰市民阶层已经解决了食物和衣服的问题，并有更多的时间和精力来关注音乐和艺术。因此，在这一时期流行的肖像画和习俗画中，人们可以看到琴瑟和鸣的情人、上音乐课的母女、庞大的家庭音乐会······爱乐之城投射在市民社会的倒影中几乎无处不在。在个别绘画中，整个家庭盛装聚集，每个人都拿着一种乐器明显，“摆拍”的痕迹。
从那以后，市民艺术继续发展，直到印象派在19世纪末掀起技术改革的趋势，画中的爱乐之城并没有随着笔触的变化而崩溃。马奈把家庭音乐会搬到了户外天光下的花园。随着德加笔尖的芭蕾舞演员随着德加的笔尖旋转，雷诺阿画中窗边的阳光······维也纳古典音乐学校的创始人海顿认为，自由的艺术和音乐本身的美的规律可以突破技术的障碍，给人们带来思想和精神的自由。
从那时起，无论乐器是否完整，音乐家是否以具体的形式出现，音乐的审美规律和精神隐喻都从未被绘画家抛弃。康定斯基，一个抽象的艺术家，在超现实世界中飞翔的夏加尔和野兽派的年轻领袖拉奥尔·杜飞曾经把颜色写成曲调，包括对秩序的尊重和对精神的规定，以及真实而纯粹的浪漫想象。这段曾经在绘画史上流淌的旋律，就像时代的脚步声，回荡在画中的爱乐之城。
〔法〕雷诺阿钢琴前的年轻女孩116cm×81cm油画1892
“你是上帝在我失明眼中展示的音乐，天空，宫殿，也是河流，天使，深玫瑰，秘密，没有穷期。”阿根廷诗人豪尔赫·路易斯·博尔赫斯诗中的那一枝“深沉的玫瑰”也许它根植于虚空中的爱乐之城。有人类最纯粹的激情和同情心，有狂风般的咆哮和细雨般的哭泣。从拉斐尔到康定斯基，从亚平宁半岛文艺复兴到思想和媒体，开辟了一条反叛后现代主义的道路。圣贤们用琴弦激起他们的心情，用画笔描绘了这座由音符组成的城市。刷子被扫过并收起，颜料又湿又干。让岁月入侵，爱乐之城在清晰或秘密的画面环境中屹立不倒。
〔意〕埃托雷·油画
2022年第三期选自《油画》
《“艺”开始画《爱乐之城》